Mise en avant

Peter Lindbergh est mort, retour sur la photographie de mode (1/2)

Il a sublimé les mannequins avec ses photographies en noir et blanc, écartant les artifices, à l’ère des «supermodels» au début des années 90. Peter Lindbergh est décédé le 3 septembre, l’occasion pour nous de revenir sur l’épopée de la photographie de mode.

Collections du musée d’Aquitaine, appareil photo, 19e s.

Les photographies de vêtements existent depuis l’invention de la photographie en 1839, mais leur  intention n’est pas de présenter la mode ou un mode de vie “à la mode”. À la fin du XXe siècle, elle vend surtout un style de vie glamour identifié par un logo spécifique. Éphémère, commerciale et frivole, la photo de mode est accusée de manquer d’intégrité – photographique et artistique. En réalité, certaines d’entre elles sont particulièrement créatives et socialement révélatrices des attitudes, des conventions, des aspirations et des goûts du moment. Les photos reflètent également les rêves et les désirs, une image de soi, des valeurs et une sexualité. La photo de mode doit convaincre le spectateur. S’il porte ce vêtement ou cet accessoire, il épousera la réalité de la photo qui deviendra la sienne.  C’est l’adhésion du spectateur qui rend une photo réussie.

Les débuts de la photo de mode

Sarah Bernhardt, Femina, 1907

Les premiers essais datent sans doute des années 1850 et 1860 et servent à la documentation des maisons de couture. Leur reproduction dans des revues est plus tardive car il faut attendre des progrès techniques, notamment l’impression en demi-teinte. Les photographes commencent à  vendre leurs photos  dans les années 1890. A l’époque, la différence entre photos de mode, portrait et de théâtre est encore floue. Le public est choqué par l’idée de rémunérer des modèles professionnelles.

Les photographes décident alors d’utiliser des célébrités, comme Sarah Bernhardt. Pour l’instant, les photos ressemblent beaucoup aux portraits classiques. mais contrairement aux idées reçues, la photo de mode n’est pas une invention américaine. Les maisons de mode parisiennes ont précocement utilisées les photographes, comme Boissonnas & Taponnier qui s’imposent dès les années 1885. Ils photographient en studio, mais ils investissent également les boulevards parisiens.

Le début de l’illusion américaine

Rapidement, les photographes américains comprennent que la photo n’est pas seulement un reflet de la réalité. Bien avant Photoshop, ils modifient les originaux et apportent des effets. Le baron européen Adolf de Meyer est le premier à  déstructurer les formes et baigner les silhouettes dans une lumière scintillante. En 1914, Vogue qualifie son travail de “photographie artistique”. Déjà, on oublie la description du détail du vêtement pour donner un impression et une humeur. Le style chargé de De Meyer est remplacé par des lignes géométriques et modernes insérées dans un flou artistique. Edward Steichen limite les fioritures pour correspondre au nouveau style de vie féminin proposé par les couturiers, sportif, libéré du corps, en bref affranchi. Son emblématique modèle, Marion Morehouse, incarne alors cette femme contemporaine directement associée à la philosophie de Gabrielle Chanel.

Marion Morehouse par Steichen, en Chanel, 1926
©condenast

Désormais la photographie de mode s’inspire de l’air du temps, des arts et propulse à la une des magazines de nouveaux styles de vie.

Le paradoxe de l’entre-deux-guerres, réalisme et surréalisme

Peggy Guggenheim en Paul Poiret, par Man Ray, 1924 ©National Portrait Gallery

Dans les années 1930, le photographe de sport hongrois, Martin Munkacsi, apporte plus de naturel, de spontanéité et de flou s’opposant ainsi aux poses statiques de Steichen. La photographie réaliste est plus proche des quotidiens et influence jusqu’à Richard Avedon (1923-2004) et Peter Lindbergh (1944-2019). Totalement différente, la photo inspirée du mouvement surréaliste est onirique, fantastique et mystérieuse. Avant de se consacrer entièrement à la peinture, Man Ray gagne sa vie avec la photo de mode dont il modifie les conventions  : il allonge ou dédouble les modèles, s’éloignant de la réalité du vêtement ou des silhouettes.

Louise Dahl-Wolfe, 1941, modèle habillé par Nettie Rosenstein, pour le Harper’s Bazaar ©HarpersBazaar

De nouveaux procédés techniques poussent à des expérimentations constantes. Erwin Blumenfeld se démarque notamment par son utilisation de  la solarisation, la surimpression, ses combinaisons d’images négatives et positives, les jeux de transparence de couleurs et même le séchage des négatifs humides au réfrigérateur qui entraîne des effets de lumière sans précédents. Louise Dahl-Wolfe a été l’une des premières et des plus importants praticiens de la photographie couleur.

Le paradoxe de la photo de mode et les débats qui suivront sont déjà posés : naturel ou artificiel ?

Photo by Myleen Hollero