Peter Lindbergh est mort, retour sur la photographie de mode (2/2)

Le renouveau de l’après Seconde Guerre mondiale

La photographie de mode est gravement touchée par le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale : les matériaux se font rares, Paris est au centre du conflit, la mode devient un luxe et les magazines rationalisent leur discours désormais orienté vers le patriotisme des femmes. Évidemment, les vêtements sont plus simples, discrets et souvent foncés à cause des deuils. Il n’est plus question de faire la belle en studio avec des accessoires inutiles. En conséquence, le style est plus sobre, les tenues moins complexes et l’approche photographique relève du documentaire. A la fin de la guerre, Paris n’est plus l’unique centre mode. New York donne le ton en s’appuyant sur une industrie du prêt-à-porter en plein essor depuis le 19e siècle. La photographie de mode américaine connait ses premiers succès  avec deux jeunes talents, Richard Avedon (1923-2004) et Irving Penn (1917-2009).

Dans les années 1950, Richard Avedon manie glamour et réalisme – ce qui correspond aux envies d’une société usée par la guerre, avide d’émotions et de douceur. Ses photos en extérieur montrent des femmes heureuses sautant sur des fonds blancs et clairs. Au même moment, le travail d’Irving Penn insiste sur la monumentalité, la construction des formes et l’élégance des silhouettes.

Lisa Fonssagrives-Penn, par Irving Penn, en robe « Arlequin », 1950 ©condenast

Son modèle préféré,  Lisa Fonssagrives, devenu sa femme, est immortalisé dans des photos aux lignes impeccables. Penn et Avedon ont marqué 50 ans de photographies de mode. L’un et l’autre ont conservé une remarquable cohérence. La capacité d’Avedon à prendre des risques inventifs et son inspiration créative est inégalée.

©2019TheRichardAvedon Foundation

De l’exotisme au storytelling

Les années 60 inspirent aux photographes des thèmes plus sociaux et exotiques – l’influence de design, du style de la rue, la libération des mœurs, le pop art et les programmes spatiaux fournissent de nouvelles inspirations. Un parfum de scandale et de liberté sexuelle font éclore une diversité de looks, de peaux et donnent une voix à la jeunesse, nouveau marché de l’industrie de la mode. Différents styles naissent alors : bling-bling chez David Bailey, clair chez Hiro ou encore sociétaux avec Bob Richardson (1928-2005) préoccupé par le lesbianisme. Au même moment, Diane Arbus collabore avec les plus grands magazines de mode, « pour l’argent » dira-t-elle plus tard, et réalise des photos pour le supplément « mode enfants » du New York Times. Angoissantes et dérangeantes, elle ne sont jamais publiées. Suit alors une décennie française après le départ de Diana Vreeland du Vogue américain. La version française du magazine met à la tête de la création deux talentueux photographes, Helmut Newton (1920-2004) et Guy Bourdin (1928-1991). Ils ont carte blanche. Sensuel, surréaliste et intrigant, le travail de Bourdin décentre le modèle.

American Vogue, 1975, ©DeborahTurbeville/Marek&Associates

Deborah Turbeville (1932-2013) a utilisé la photographie de mode pour dépeindre la dislocation du monde moderne en dénouant les corps, les cabrant, les désarticulant. Le versant psychologique de ses photographies permet aussi d’utiliser des types de modèles diversifiés. Sa photo « les maisons de bain » (ci-dessus) et son atmosphère de camp de concentration ou de corps drogués et hallucinés fait scandale. 

Une campagne publicitaire brillante de Richard Avedon annonce l’ère du storytelling. « The Diors », histoire racontée chaque semaine dans les pages du New York Times Magazine, crée une vogue durable pour la narration dans la photographie de mode – reprise pour de nombreux produits, notamment le parfum. Sensuelle, forte et indépendante, la femme d’Avedon peut être sportive voire brutale.  A la suite de ses travaux, la photographie de mode peut dépeindre des femmes agressives et dominatrices. Irving Penn et Helmut Newton continuent de dominer le marché mais quelques photographes femmes pratiquent une photo romantique – comme Ellen von Unwerth – ou somptueuse – pour Sheila Metzner. Les modèles se diversifient, avec l’arrivée de mannequins noirs, comme Iman, Naomi Campbell et Karen Alexander, devenues superstars de célébrités.

British Vogue, janv. 1990 ©CourtesyofPeterLindbergh,Paris

Mais c’est Peter Lindbergh qui met tout le monde d’accord au début du XXIe siècle. Il dépouillait de l’inutile, sublimait le naturel et posait un autre regard sur la beauté, glamour certes, mais se délestant des artifices autant que possible. Il est encore responsable de la couverture de Vogue en septembre 2019.

British Vogue, sep. 2019 ©PeterLindbergh

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